Las condiciones geográficas y sociales en Baja California Sur, México desde finales del siglo XIX hasta la década de 1980, provocaron una forma particular de tocar los diferentes repertorios de piano. Los procesos migratorios tan importantes para el repoblamiento peninsular aunados al aislamiento geográfico y atraso con respecto al centro de México influyeron no sólo en la selección de repertorios y sus barreras difusas, sino a que desarrollaran formas particulares de interpretarlos, donde se mantienen intactas según la tradición algunas prácticas utilizadas antes del siglo XX , además se desarrollaron técnicas y conceptos que responden a una estética propia donde la sonoridad y la resonancia fueron elementos primordiales. En este lecture-recital pretendo mostrar las prácticas performativas tradicionales locales de la mano de una selección de obras que evidencia el abanico de influencias culturales que cohabitaron a fin de ahondar en la reflexión de conceptos como identidad, nacionalismo, regionalismo y proponer el concepto de interpretación endémica como una alternativa que nos permita entender lo acontecido en espacios más pequeños y hasta ahora menos visibilizados. El trabajo artístico ha sido marcado por el extenso estudio etnográfico, los códigos estéticos regionales, la perspectiva de género, experimentados activamente en primera persona en la práctica pianística cotidiana como parte de un estudio autoetnográfico donde se han anexado en manos de la tecnología diversos de estos elementos, configurando una creación artística donde la música y sus repertorios han sido reescritos en relación a la migración, la partitura, la tradición canónica, y las fronteras entre tiempo, género, género, geografía e identidad en una selección de obras que evidencía el abanico de influencias culturales, donde se arrojan nuevas opciones estético-musicales en la ejecución y complementarias al que hacer pianístico.

 

Ecos de México- Julio Ituarte

Despertar - Jesus Leonor Isais

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Maria Fernanda del Peón Pacheco

Inicia sus estudios musicales en la Escuela de Música de B.C.S. con Gregorio Peralta y Genevieve Bergold. Es Licenciada en Música y en Educación Musical por la Universidad Veracruzana bajo las cátedras del maestro Enrique Márquez (ᵻ), Jorge Covarrubias e Isabel Ladrón de Guevara. Ha cursat la Maestría en interpretación e investigación musical por la Universidad Internacional de Valencia. Ganadora en dos ocasiones de las becas PECDA (2007 y 2009). Ha tomado clases con Boris Berman, Barbara Moser, Itzhak Solsky, Luca Chiantore, Jorge Federico Osorio, Martha García Renart, Tomoko Honda, Silvia Santanelli y Richard Reber. Se ha presentado en diversos foros en México, España, Portugal, y Austria. Ha participado bajo la batuta de Karen Lynne Deal, y Terry Townson. En 2013 obtuvo el 3er lugar en el Concurso de Música de Cámara del Festival “Semana del Músico” de la UV y el Premio a la Juventud Sudcaliforniana. Fue docente en el Centro de Iniciación Musical Infantil de la Universidad Veracruzana, el CMA de La Paz B.C.S, directora y profesora de Baja Music & Art Studio e integrante junto con el flautista Emmanuel Encarnación de Ensamble Aureos quienes han ganado diversos proyectos para realizarse en el estado y en el país; así como pianista de la Big Band Jazz La Paz. Es directora del Ensamble de Cámara de la Universidad Autónoma de Baja California Sur. Actualmente es doctoranda en la Universidad de Aveiro bajo la tutela de Ana Flavia Lopes Miguel y Luca Chiantore.

El proyecto consiste en la interpretación de dos obras inéditas para guitarra del compositor peruano descubierto hace dos décadas Pedro Ximenez Abril y Tirado 

(Arequipa 1784-Sucre 1856):

 

Sonata II Pedro Ximenez Abril y Tirado

     Adagio-Allegro

 

Collectici íntim Vicente Asencio

     La Serenor

     La Joia

     La Calma

     La Guabança

 

Estas obras, los manuscritos originales, se ubican en el archivo de la Universidad de Chuquisaca y en el ABNB Sucre, Bolivia.

 

Para más información es posible consultar el siguiente enlace donde se pueden encontrar los audios del disco, el libreto y el TFM de la ESMUC: https://drive.google.com/drive/folders/1ree0tGd-Hxv6uTo6CB_pUZkO9hJX3vxs

 

Christopher Avilez

Estudios de máster en interpretación por la Facultat de Música UNAM, la Escola Superior de Música de Catalunya ESMUC, y la Universitat d’Alacant. Se ha presentado en Alemania, Andorra, Bélgica, Bolivia, Colombia, Ecuador, Eslovenia, España, Francia, Italia, México y Estados Unidos. Ha ganado más de 20 premios en concursos internacionales. Su discografía cuenta con cinco producciones: XIII Sonatas para guitarra y continuo de Juan Antonio de Vargas y Guzmán; Imágenes… Memoria Música mexicana para flauta y guitarra; Concerto for Classical Guitar & Piano Jazz Trio by Claude Bolling; Sudamérica Seductora obras de Villa-Lobos, Ginastera, Barrios Mangoré, y Sinesi; «Al pie del volcán» Obra inédita para guitarra de Pedro Ximenez Abril y Tirado. Premio Estatal del Arte y la Cultura. Becario del PECDA y del FONCA (2008, 2011, 2018 y 2019).

Sabemos que la música tiene diferentes estilo, diferentes tipos de instrumentación, periodos históricos, así como influencias geográficas y culturales; pero la música no tiene género; ni existe música masculina ni femenina. Si queremos eliminar los prejuicios y estereotipos sobre el género musical, debemos preguntarnos: Los grades genios de la música son solo hombres? Y las mujeres compositoras, hay o no hay? Y si hay, porque no las escuchamos? Como la cara oculta de la luna, que sabemos que existe, pero no la vemos -unas obras que se han borrado de la historia como si hubieran existido. En esta conferencia escucharemos 15 piezas musicales en el piano, ordenadas cronológicamente, pero, quién las ha escrito? Un paseo por la historia de la música, desde el barroco hasta nuestros días,… pero unas músicas que no habéis escuchado nunca? Os atrevéis a decir si era un hombre o una mujer? El público decidirá con su teléfono o contestando en un papel si es un autor o una autora quien ha creado las composiciones, seguro que hay sorpresas… Una reflexión sobre la música y género a través de un concierto participativo, con buen rollo y música de calidad sin importar el género. El repertorio se dará a conocer después del concierto.

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https://www.youtube.com/watch?v=SXEaxr2vjC4

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Ester Vela López

Pianista y compositora, interesada por la pedagogía y la innovación y por la música contemporánea -colabora habitualmente con compositores y compositoras vivas. Investiga sobre las compositoras olvidadas, recuperando patrimonio histórico perdido. Sigue desde 1993 con el Duo Vela de pianistas, que forma con su hermana Eulalia, pero también participa en diferentes proyectos individualmente, como solista o en diferentes formaciones camerísticas. En 2022 ha realizado dos recitales y una conferencia en el Museo de la Música de la Habana, Cuba (7, 12 y 14 de abril) y ha presentado esta conferencia en el 44 Congreso de EPTA en Guimaraes, Portugal (3 de septiembre), en el Congreso de EPTA en Israel (13 de octubre) y en el Congreso de EPTA Nederlands Ede, Holanda (20 de noviembre). También ha sido invitada a hacer un Webinar por Pianoinspires en el Frances Clark Center, New Jersey. (17 de diciembre), entre otros conciertos. www.estervela.com

El papel del intérprete de música clásica en el siglo XXI está cambiando, con audiencias y artistas ansiosos por algo que realmente se conecte con sus valores y presencia en el mundo. En este sentido, la investigación artística se ha revelado como una guía fundamental para pensar y dar forma a nuevas formas de entender y expresar esta música aún muy viva. Al establecer una verdadera relación entre investigación y performance, una en la que el conocimiento y el significado se comunican a través de experiencias artísticas reales, y no solo se describen en textos académicos, los artistas y académicos están cuestionando los límites de lo aceptable, lo apropiado y lo posible, con el fin de lograr actos performativos que sirvan, al mismo tiempo, de ensayos y manifiestos. En esta performance, el pianista e investigador brasileño Pedro d'Avila explora las capacidades narrativas, poéticas e interpersonales de la música al ofrecer una interpretación nueva y heterodoxa de la famosa Balada Op. 23, de Fryderyk Chopin. La exploración de los diferentes significados que ha tenido la palabra balada a lo largo de la historia; una aproximación crítica al papel del músico clásico en 2023; y el renacimiento de la tradición perdida del melólogo del siglo XIX, en la que las palabras habladas y la música interactúan simbióticamente para crear un objeto artístico completo: todos estos elementos se combinan en una interpretación de este caballo de batalla de la literatura pianística que promete, al menos, levantar algunas cejas.

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Pedro d'Avila

El pianista Pedro d'Avila (Petrópolis, Brasil, 1999) inició sus estudios musicales a los 5 años con su tío, el director de orquesta Rodrigo d'Avila. Intérprete activo y apasionado, d'Avila actuó en importantes salas de conciertos, como la Sala Cecilia Meireles, la Sala Francisco Mignone y el Salão Leopoldo Miguez, en Brasil, y Fine Tuned Society, The Academy y Grusin Music Hall, en los Estados Unidos. Tras un recital ofrecido en 2018, el crítico y músico estadounidense Harold Emert proclamó a Pedro como "el sucesor de Nelson Freire". Pedro d'Avila es Licenciado en Interpretación de Piano por la Universidad de Colorado Boulder, donde recibió la beca más grande jamás ofrecida a un estudiante de piano por esta institución en los últimos 20 años. Ha estudiado interpretación histórica con Robert Hill y Malcolm Bilson, y piano moderno con Ronal Silveira, Jerome Lowenthal y David Korevaar. Actualmente cursa un máster en Investigación Artística en la Escola Superior de Música de Catalunya, bajo la dirección del musicólogo y músico italiano Luca Chiantore.

Alemania tenía una gran tradición en el ámbito de la construcción de instrumentos de viento, por lo que existía una amplia variedad constructiva de flautas traveseras que se traducía en una rica gama sonora. Estas flautas seguían los principios básicos de las flautas de sistema antiguo, flautas que estaban construidas en madera, con tubo cónico y diversas llaves añadidas con un sonido característico común que era dulce, suave y moldeable. Estas flautas de sistema antiguo fueron utilizadas en Alemania hasta bien entrado el s. XX

Esta tradición sonora fue el motivo por el cual las flautas de Theobald Böhm (la flauta de anillas de 1832 y el denominado sistema Böhm de 1847) no fueron aceptadas en Alemania hasta bien entrado el s. XX. Para competir en volumen sonoro y facilidad técnica con la flauta de sistema Böhm (1847), que se iba imponiendo paulatinamente por Europa se construyó una gran cantidad de flautas alternativas, todavía de madera y con tubo cónico, con la intención de no perder el carácter sonoro de las flautas antiguas. Entre estas flautas de sistema antiguo alternativas a la Böhm se encuentran las flautas de Maximilian Schwedler, que suponen el último eslabón en la construcción de flautas de sistema antiguo en Alemania.

Las flautas de sistema antiguo y sobre todo las de Maximilian Schwedler son objeto de la investigación artística que llevo a cabo dentro de los estudios de Doctorado en Música en la Universidad de Aveiro. A través de la experimentación sonora y  la adaptación corporal, entre otros retos, he trabajado en busca de un sonido propio que me permite comprender su forma constructiva y la estética sonora que perseguían sus inventores. 

En mi presentación, a través de la performance con diferentes modelos de flautas Schwedler expondré sus características sonoras a través de piezas escritas o arregladas para estas, lo que permitirá, por una parte, un acercamiento a ese mundo sonoro olvidado y por otra entender su razón de ser.

 

Tillmetz Nocturne

Fr. Kuhlau Es kann schon nicht alles so bleiben

Brahms Solo vierte Symphonie

E. Köhler Romantische Etüden Num 1 "Auf der Schaukel", Num.5 "Finger-Gymnastik"

J. S. Bach Allemanda (Partita)

M. Reger Romanze/ H. Hiller Andante Religioso

G. Gariboldi Prélude

J. Andersen Andantino

E. Köhler Num 2 "Puppen-Walzer"

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María del Carmen Fuentes Gimeno

Dedicada actualmente a la interpretación, a la docencia y a la investigación artística. Estudió flauta en el Conservatorio Superior de música de Valencia, perfeccionándose con Juana Guillem, Benoît Fromanger y Marcos Fregnani. Asiste a diversas master class de flauta moderna y realiza cursos de traverso barroco con W. Hazelzet y P. Thalheimer. Obtiene el Master en Música Antigua y en Pedagogía Instrumental en la Hochschule für Musik de Nürnberg. Actúa en festivales de música de cámara así como en conciertos sinfónicos en Alemania y Espana. Ha grabado Cds con Marcos Fregnani y Susanne Hartwich-Düfel. Colabora con el grupo de música antigua Musica Trobada de Valencia. Es miembro del cuerpo de Profesores de Música y Artes Escénicas de la Generalitat Valenciana. Imparte seminarios de pedagogía musical organizados por el Goethe Institut en Bolivia y en Perú. Realiza estudios de Doctorado en Música en la Universidad de Aveiro, Portugal. Como investigadora de INeT, Instituto de investigación asociado a la Universidad de Aveiro participa en congresos de Investigación Artística en Aveiro, en la Université de La Sorbonne, París, en las Jornadas Instrumenta de Madrid, en las Jornadas de Investigación Artística de Pirineos y en las Jornadas de Investigación Artística de la ESMAR.

Mi trabajo de investigación aborda la improvisación en el dominio de la guitarra clásica contemporánea, pero explora esta práctica desde otros métodos y perspectivas a los enfoques de la música clásica tradicional. Por esta razón, propongo en mi trabajo un enfoque basado en el desarrollo del vínculo entre el gesto mecánico y la audición como sucede en otras tradiciones musicales, como lo describen otros autores: "músicos abordan la improvisación desde una matriz audiotáctil para el aprendizaje y la práctica, en lugar de la matriz visual -alfabetización, partitura utilizada en la música clásica occidental (Caporaletti, 2018)". Esto me ha llevado a explorar y aprender no solo de otras tradiciones musicales sino también de investigadores de otras disciplinas, ya que estoy trabajando con dos científicos de software para desarrollar una solución para ayudar a los guitarristas que están interesados en la improvisación. La solución involucra sistemas informáticos articulados con mi propuesta conceptual de abordar la improvisación en la guitarra clásica contemporánea partiendo del vínculo entre el gesto mecánico y la audición. Nuestra propuesta se ha concretado en una app. Esta propuesta presenta, en el contexto de una conferencia-recital, muestras del uso de las herramientas conceptuales y digitales desarrolladas en este proyecto aplicadas al material de un repertorio de estudios de Heitor Villa-Lobos y Leo Brouwer, ya que estas son importantes piezas formativas y de concierto de la tradición de la guitarra clásica canónica.

 

Improvisación a partir de Estudios 1 y 2 de Leo Brouwer 

Improvisación a partir de Estudios 7 y 11 de Leo Brouwer

Improvisación a partir de Estudio 1 Heitor Villa- Lobos

Improvisación a partir de Estudios 4 y 7 Heitor Villa- Lobos

Improvisación a partir de Estudios 11 y 12 Heitor Villa Lobos

Improvisación a partir de Estudios IX y XX de Leo Brouwer

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https://www.youtube.com/watch?v=R_s14rfhBHA

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León Salcedo

León Salcedo ha actuado como solista y miembro de grupos de música clásica y jazz en Colombia, Europa y Estados Unidos. Ha actuado en eventos y sedes como el XV Festival de Guitarra de Girona - Costa Brava en España, Museo Nacional de Colombia, Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, Universidad de Chattam, Auditorio del Instituto Mellon y Carnegie Hall de Pittsburgh, Universidad de Aveiro en Portugal. También ha recibido premios y honores de la Universidad Carnegie Mellon, Ministerio de Cultura de Colombia, Universidad Distrital de Bogotá e Instituto de Cultura de Pereira. Los principales maestros de Salcedo fueron Martín Pedreira en Cuba y Alejandro Montoya y Guillermo Bocanegra en Colombia. Licenciado en Música por la Universidad Tecnológica de Pereira y Máster en Guitarra por la Universidad Carnegie Mellon, donde recibió una beca para estudiar guitarra con el profesor James Ferla. León Salcedo es candidato al doctorado en Música en la Universidad de Aveiro. Actualmente imparte clases en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas de Bogotá y en la Universidad de Cundinamarca, donde es Profesor Asociado de Guitarra y coordina el área de investigación musical del programa de música. Para obtener más información, visite: www.leonsalcedo.com

El archivo conocido como Schrank II de la biblioteca de Dresde es fascinante. Contiene unos dos mil manuscritos pertenecientes en su mayoría a la colección personal del que fuese concertino de la orquesta de Dresde a principios del siglo XVIII: Johann Georg Pisendel. Las partituras han sobrevivido a varios bombardeos a lo largo de su historia y fueron olvidadas durante siglos. Hoy el archivo sigue desvelando nuevos y emocionantes descubrimientos. Pisendel fue uno de esos artistas que sin duda marcaron el panorama musical europeo de la primera mitad del siglo XVIII, fue uno de los violinistas más apreciados de su época, alumno directo y amigo de Vivaldi, admirado por Telemann, Bach o Albinoni y maestro de grandes músicos como Quantz, Benda, Graun o Zelenka. Fue además un apasionado coleccionista de música. Para salvar su inmensa colección de los bombardeos prusianos esta fue depositada en el «armario número dos» de la Katholische Hofkirche de Dresde donde fueron olvidadas por siglos. En 1945 sobrevivieron al bombardeo de los aliados que asoló Dresde. Muchas partituras no están firmadas, lo que da lugar a todo un tesoro de música por descubrir e identificar. Este ha sido el campo de estudio de Javier Lupiáñez, violinista y musicólogo de Scaramuccia desde hace más de diez años. Tras finalizar su doctorado con una tesis dedicada a Vivaldi y Pisendel de la que Michael Talbot dijo "This is essential reading for Vivaldians and students of the Polish-Saxon Hofkapelle", se encuentra inmerso junto con otros colegas en la elaboración de un nuevo catálogo de la obra de Pisendel. En este contexto Javier ha conseguido poner nombre a algunos de los tesoros olvidados y hasta hoy anónimos de Dresde, interpretando estas obras por primera vez en siglos con Scaramuccia. Entre estos tesoros redescubiertos, sonatas de Vivaldi y Pisendel ocupan un lugar especial.

 

Johann Georg Pisendel Sonata para violín y continuo PW 2:e1 

Largo – Allegro – Arioso – Gigue 

Antonio Lucio Vivaldi Sonata en trío para violín, violoncello y continuo RV 820 [Preludio] – Adagio – [Violino] Solo – Adagio – Allegro – Violoncello Solo. Adagio – [Giga] – [Allegro] 

 

Anónimo (¿Volumier?) 

Chaconne (Manuscrito de Dresde)

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Scaramuccia

Scaramuccia nace en 2013, por iniciativa del violinista y musicólogo Javier Lupiáñez, con la intención de redescubrir el repertorio barroco menos conocido. La profunda labor de investigación detrás de cada programa permite que Scaramuccia tenga a menudo la posibilidad y el placer de interpretar tesoros musicales inéditos y olvidados que se esconden entre el repertorio barroco más común. Su discurso musical ha sido elogiado por su sinceridad combinada con un enfoque intelectual. Ha participado en numerosos festivales en Países Bajos, Portugal, España, Bélgica, Reino Unido, Eslovenia, República Checa e Italia. En su afán por descubrir nueva música, Scaramuccia tuvo el privilegio de atribuir por primera vez el RV 820 y el RV 205/2 a Vivaldi y de interpretar sendas obras en primicia mundial en una entrevista y concierto retransmitidos por el programa De Musyck Kamer de la radio holandesa Concertzender en verano de 2014. Estas piezas, junto con los últimos descubrimientos vivaldianos para violín y bajo continuo, fueron grabadas para el sello Ayros en 2015 en el primer CD del grupo. 1717. Memories of a Journey to Italy, lanzado en 2018, es el segundo disco del ensemble. Ha sido aclamado por la crítica de toda Europa y nominado a los premios ICMA 2019. Su último álbum, Pisendel. Neue Sonaten, fue lanzado en diciembre de 2020 y ha recibido seis nominaciones para los premios Opus Klassik 2021 y una para los premios ICMA 2022. Ambos álbumes fueron lanzados con el sello discográfico del ensemble: Snakewood Editions. En 2016 Scaramuccia fue elegido unánimemente por el público como el mejor grupo en el Concurso Internacional del Göttinger Reihe Historischer Musik 2015/2016 (Alemania). En 2022 su proyecto The Cabinet II Project ha sido finalista en los Premios Europeos de la Música Antigua de REMA en la categoría Heritage and Repertoire. www.scaramucciaensemble.com

 

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Impensable parece ser, hoy día, asistir a un concierto lírico en el cual el cantante se acompañe. Sin embargo, por extraño que parezca, hubo un tiempo en que esto pasó, e incluso sigue pasando, en lo privado o, como ha quedado expuesto en tiempos pandémicos, en lo virtual. ¿Por qué no plantearlo como propuesta concertística? ¿Por qué no poner en escena aquello que parece estar destinado a otras formas u espacios? ¿Por qué no instigar al arte desde las matrices que lo constituyen? Estas son algunas de las ideas que mueven al proyecto de doctorado: "Cantocando: desafíos del autoacompañamiento". Poner en escena el cuerpo y la voz del cantante; volverlo intérprete, total hacedor del hecho artístico, y descubrir nuevas posibilidades que permitan legitimar y cohesionar la práctica del autoacompañamiento. La performance que aquí se propone permitiría al artista recorrer dramáticamente los diferentes lugares de habla/interpretación dentro del formato de concierto. Esto es un cantante que en la práctica de un concierto desdibuja las fronteras de su práctica misma al utilizar también el lugar interpretativo del pianista, cantando y acompañándose. Se pretende pues yuxtaponer y deconstruir así al menos dos de las díadas que parecen condicionar la interpretación de la música lírica desde el siglo XIX, la de piano-canto (solo-acompañamiento) y la de popular-académico. A la búsqueda de evidenciar las relaciones conflictivas en la base misma de enunciación de estas díadas y su constitución práctica, posibilitando nuevas experiencias y vivencias, no sólo para el interprete sino también para el público. Experimentando a tal efecto con los diferentes “lugares” de interpretación, y atravesando el artista estos “espacios”, se intenta ofrecer nuevas herramientas de mise en scène y/o estrategias de interpretación de la literatura abordada; además de una reflexión sobre el lugar que hoy por hoy puede ocupar el Cantocando como práctica de concierto.

 

Germán Enrique Alcántara

Germán Alcántara, graduado del Jette Parker Young Artist Program de la Royal Opera House de London, comenzó sus estudios en la Escuela de Superior de Música de Misiones, la Universidad Nacional de Cuyo Mendoza (con Silvia Nasiff), la Maîtrise de Notre-Dame de París (con Rosa Dominguez) y en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Música de Madrid (con Ryland Davies, Milagros Poblador y Rosa Dominguez). Actualmente es doctorando en Música y Performance por la Universidad de Aveiro, bajo la dirección de Luca Chiantore, con el proyecto "Cantocando: Desafíos del auto- acompañamiento". Ha sido premiado en numerosos concursos internacionales de canto, incluyendo el 1er Premio como barítono en el "Gran Premio José Carreras Grand Prix 2021” de la Fundación Elena Obraztsova en Moscú-Rusia; 3er Premio y Premio del Público en el Concurso "Tenor Viñas" 2021 en Barcelona-España; “Mejor Barítono” en el Eva Marton Competition 2021 en Budapest-Hungría, Medalla de Oro con alta distinción en el 5º Concurso Internacional Manhatan en 2020, “Laureat” en el Concurso "Queen Elisabeth 2018” en Bélgica, Primer Premio en el Concurso “Bach Joven” en Paraguay, Segundo Premio en el Concurso para Jóvenes Estudiantes de Canto Lírico en Buenos Aires, Primer Premio en el Concours Lyrique International ad Alta Voce en París; entre otros.

Migrando al origen consiste en una interpretación innovadora de la obra para piano solo Catalogue d'oiseaux del compositor francés Olivier Messiaen. La obra se modifica buscando un acercamiento a los cantos de pájaros que aparecen citados en ella, realizando además una interpretación interdisciplinar con interludios de música electrónica compuesta por el propio pianista, donde estará presente la narrativa intrínseca de los prefacios de cada pieza y los cantos de pájaros. Esta actuación incluye un mensaje de concienciación medioambiental -extrínseco a esta obra musical, pero que justifica este cambio de perspectiva interpretativa- nacido de mi preocupación por la desaparición de especies aviares y los cambios en sus rutas migratorias, consecuencias de la sobreexplotación de los recursos naturales para el ser humano. El pianista realiza una aproximación a los cantos de pájaros que originaron esta obra interpretando en la práctica artística el devenir-pájaro, y utilizando también los cahiers de notaciones de transcripciones de cantos de pájaros de Olivier Messiaen. Estos nuevos elementos experimentales dan lugar a un formato de concierto poco convencional basado en el replanteamiento de la creación musical y la actualización de la realidad ambiental.

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Olivier Messiaen

       Catalogue d'oiseaux: L'Alouette Lulu y Le Courlis Cendré

 

Carolina Santiago Martínez

Pianista especializada en música contemporánea, Carolina Santiago dedica su actividad artística a realizar conciertos como solista, en grupos de cámara y ensembles con una trayectoria internacional. Es pianista de Barcelona Modern Ensemble y Semblance y fundadora de sus grupos de cámara Syntagma Piano Duo, Regrat Duo, Duo Ekriktiko, así como colabora con destacados ensembles de toda Europa como Ensemble Linea o L’Imaginaire (Estrasburgo). Santiago ha tocado en festivales y salas de concierto en EEUU, Viena, París, Estocolmo, etc. Ha grabado para Radio France, Ircam y AAMY, y galardonada por la Fundació Liceu, Piano Córdoba, Piano Meeting, Yamaha y AIE. Carolina Santiago realiza actualmente el Doctorado en la Universidad de Aveiro con Luca Chiantore. Anteriormente estudió el Máster Europeo CoPeCo (en Tallin, Estocolmo, Lyon y Hamburgo), y Superior y Máster en música clásica en el Conservatorio del Liceu (Barcelona) con Albert Attenelle.