VI Jornades d'investigació artística en música dels Pirineus
Programa VI JIAM Pirineus 2025
Dissabte 17 de Maig
Salle de la Médiathèque
Saillagouse
10h
Anna Margules Rodriguez (Universidad Complutense Madrid)
¿Concierto finito o work in progress?: RE-CORDARE, Memorias y desmemorias para flautas de pico y electrónica grabada y en tiempo real
Anna Margules realiza una intensa actividad tanto en Música Antigua como en la Contemporánea, habiendo realizado numerosos estrenos a lo largo de su carrera.Tiene interés particular en trazar puentes y abrir las fronteras existentes entre los distintos campos musicales que tienden a estar cerrados en sí mismos. Ha actuado tanto en México como en Estados Unidos, Puerto Rico, Cuba y gran parte de la geografía europea (Alemania, España, Italia, Portugal, Francia, Suecia, Polonia, Serbia, Estonia, Holanda). Anna Margules ha grabado Música Antigua: En Seumeillant, Machaut a tres, el Cançoner del duc de Calabria, Orlando di Lasso: Il primo libro de motetti ( sellos Ars Harmonica, La Mà de Guido), Ad majorem Gloria (Sello Cezanne), y música de nuestro tiempo. Su CD ¿De qué lado…? (sello Verso) está conformado por obras de compositores de nuestros días y de ambos lados del Atlántico. La intérprete enseña en el Conservatorio Superior de Aragón, es Profesora Asociada del Departamento de Música de la Universidad Autónoma de Madrid y Doctoranda en Musicología con línea en Investigación Artística de la Universidad Complutense de Madrid. Actualmente cuenta con el Reconocimiento y Estímulo Creadores Escénicos con Trayectoria del Gobierno de México.
Esta presentación busca mostrar la problemática de Re-cordare, un concierto en vivo pensado como puesta en escena que forma parte del segundo año de la investigación doctoral El Concierto: Investigaciones sobre una propuesta artística global desde la práctica interpretativa, iniciada en septiembre de 2024. El hilo conductor en el que se basa esta actuación es la memoria, y el punto focal se centra en la colaboración con compositores para crear nuevas obras que tengan que ver con dicho tema. A lo largo de varios meses de trabajo conjunto con el grupo de jóvenes compositores mexicanos Proyecto Ars Nova se van gestando varias composiciones nuevas. A estas se añaden las piezas de los compositores consagrados Ignacio Baca Lobera y Gabriela Ortiz y se construye un programa en donde, a través de las flautas de pico y la electrónica, el recuerdo se se visita desde sitios distintos: memorias autobiográficas, repertorio de otros tiempos y lugares, repeticiones, resonancias, e incluso represión del recuerdo a través de la violencia. El estreno se planea para el 24 y 25 de enero de 2025 en el DT Espacio escénico de Madrid. Luego se repetirá exactamente el mismo programa en diversos espacios tanto en España como en México, lo que permitirá centrarse en cómo afectan al concierto los distintos lugares en donde se presenta. Sin embargo, las entregas de las nuevas obras no se realizan todas al tiempo requerido. Lo que sería un concierto finito para el día de su estreno se vuelve un work in progress que se reforma cada vez en términos de dramaturgia y sonoturgia a medida que van llegando las distintas obras. Esto hace que, en lugar de que haya tan solo un programa RE-CORDARE, se realizan distintas versiones del concierto: RE-CORDARE 1, 2 y 3…
Dissabte 17 de Maig
Salle de la Médiathèque
Saillagouse
10:30h
Lulija Andersson (Lithuanian Academy of Music and Theatre)
Performer’s Role in the Creative Process: A Typology Methodology of the Artistic Collaboration Between Composers and Performers
Julija Andersson is a Lithuanian violinist and violist. During her career, Julija has performed at New York's Carnegie Hall, Zurich's Tonhalle, Leipzig's Gewandhaus, London's St. Martin in the Fields, Usedom Music Festival, Flanders Festival Ghent, Pärnu Music Festival, and elsewhere. Julija's artistic activity is highly versatile: she performs as a soloist, a member of Duo Andersson, and as a soloist of the Vilnius City Ensemble NIKO (founded and directed by Gediminas Gelgotas). J. Andersson has collaborated with esteemed musicians: Kristjan Järvi, Quatuor Akilone, David Geringas, Avi Avital, Mari Samuelsen, and others. In 2024, Julija founded the Alanta Music Festival, and since 2023, she has been a violin lecturer at the Lithuanian Academy of Music and Theatre. Since 2021, Julija is conducting artistic doctoral research at the LMTA in the theme „The Artists Role in the Creative Process: The Postminimalist Case“.
La colaboración entre intérpretes y compositores ha recibido una atención creciente por parte de la comunidad investigadora en los últimos años. Este proceso siempre me ha parecido muy intrigante, especialmente porque la creación de una obra a menudo se percibe como un proceso mitológico. El papel del intérprete en el proceso de una nueva creación musical puede ser sustancial, especialmente en los casos en que el compositor no toca el instrumento para el que está escribiendo, así como por circunstancias sociales, cuando un intérprete reconocido puede asegurar la difusión de la obra. Habiendo participado yo misma en numerosas colaboraciones entre compositores e intérpretes, me surgieron preguntas: ¿de qué maneras colaboran compositores e intérpretes en un proceso creativo? ¿Qué factores son esenciales para categorizar los tipos de colaboración? Mi presentación introducirá otros estudios que fueron utilizados como referencia por los musicólogos británicos Sam Hayden y Luke Windsor (2007), los hallazgos de la investigación doctoral del flautista polaco Michał Rosiak (2018), la investigación presentada por la flautista húngara Izabela Budai (2014) y las ideas de la psicóloga estadounidense Vera John-Steiner (2006) sobre las características de la colaboración colectiva. Después de revisar el trabajo de otros investigadores, se presentará una tipología propuesta de las formas de colaboración entre artista y compositor, que consta de cuatro categorías: directiva, colaborativa indirecta, colaborativa directa y simbiótica. Durante la presentación, se introducirán herramientas metodológicas para ayudar a los intérpretes a evaluar y explorar casos específicos de colaboración. Se espera que la tipología propuesta sea una herramienta útil para artistas e investigadores al determinar y examinar asociaciones creativas.
Dissabte 17 de Maig
Salle de la Médiathèque
Saillagouse
11h
Varun Rangaswamy (Hochschule für Musik Basel)
Can the Archive Speak?
Varun Rangaswamy is an improviser, composer, scholar, bassoonist, and Karnāṭak vocalist. Their self-reflexive debut album REINHERITANCE has been praised for “creating a mesmerizing circular dialect” (I Care If You Listen). As a multifaceted artist, he has worked with such ensembles as International Contemporary Ensemble, Talea Ensemble, and Mivos Quartet in varying capacaties as performer and/or composer. Collaborators have included Aakash Mittal, Fay Victor, Rebekah Heller, Sara Schoenbeck, and Jasmine Wilson. Varun helped conceive and establish the San Diego Emerging Composers Concert, in which he has participated as composer, performer, and recruiter. This annual concert series offers performance opportunities for undergraduate composers based in the San Diego/Ensenada/Tijuana area. Varun was originally trained in Karnāṭak music. He has studied voice with C.M. Venkatachalam and B. Balasubrahmaniam, and mridanga with Rajna Swaminathan. He has also studied bassoon performance with George Sakakeeny and Valentin Martchev. Varun has degrees from UC San Diego and the Eastman School of Music and is currently a master’s student at the Hochschule für Musik Basel.
Aunque los académicos ya han escrito sobre el sonido en la literatura y el sonido como resistencia (Moten 2003; Sterne 2003; Ochoa 2014), este artículo asume directamente el rol del músico para abordar una pregunta creativa. Pensando con la profunda metodología de "critical fabulation" de Saidiya Hartman —una práctica narrativa (literaria) que imagina críticamente prácticas de libertad indocumentadas/indocumentables en el archivo de la esclavitud estadounidense—, planteo la pregunta: ¿es posible fabular críticamente musicalmente? Al centrarme en el archivo de las actividades de la Misión de Basilea en el sur de la India del siglo XIX, no solo interactúo con descripciones textuales del sonido, sino que también afirmo que el "cuerpo fónico" del texto de archivo es clave para la integridad estructural del archivo. Basándose en "Archive Fever" de Jacques Derrida y “Can the Subaltern Speak?” de Gayatri Chakravorty Spivak, este artículo elabora un conjunto de prácticas de escucha para investigar textos de archivo al revelar el problema de la autoridad vocal en el archivo. Al seguir la postura crítica de Spivak hacia el informante nativo—ese informante nativo que prepara el mundo para la autoridad colonial al afirmar hablar desde una posición subalterna—, expreso una sospecha de un "aural informant", esa voz o conjunto de voces que afirma hablar por el sujeto del archivo cuando se enfrenta a un lector del mismo. Propongo entonces una solución artística para abordar el problema del "aural informant". Al considerar el cuerpo fónico del texto de archivo como estructuralmente crucial y revelar la máscara del "aural informant", se hace posible (para bien o para mal) aprovechar y heterogeneizar artísticamente la voz tal como constituye el archivo, al igual que la pregunta: ¿puede hablar el archivo?
Dissabte 17 de Maig
Salle de la Médiathèque
Saillagouse
12:30h
Recital per a dos violins i piano
Lelio Olarte i Diana Rodríguez, violins
Laia Martin, piano
Lelio Olarte nació en Bogotá en una familia de músicos santandereanos. Después de iniciar su formación musical con sus padres realizó estudios en el Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, el Conservatorio Amadeo Roldán en La Habana y en la Hochschule für Musik Mainz.
Ha participado en el Festival Orquesta Juvenil de las Américas y ha sido ganador del concurso jóvenes intérpretes de la Biblioteca Luis Ángel Arango; igualmente, ha estado vinculado a la World Chamber Orchestra y a la New Philharmonic Cologne. Después de su regreso de Alemania ingresó a la planta de primeros violines de la Orquesta Filarmónica de Bogotá.
Se ha desempeñado como concertino de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Amadeo Roldán y la Orquesta Filarmónica de Cundinamarca. Desde 2004 es concertino de la Orquesta Filarmónica de Cali. Como solista se ha presentado con diferentes orquestas de Colombia, Cuba, Venezuela, Estados Unidos y España. Paralelamente ha sido miembro de ensambles de cámara con los que ha participado en diferentes festivales.
Ha sido tallerista y ofrecido masterclasses en instituciones a nivel nacional e internacional. Entre 2005 y 2011 se desempeñó como profesor en el Conservatorio Antonio María Valencia. Desde 2020 es docente en la Universidad del Valle.
Violinista payanesa con amplia trayectoria orquestal, pedagógica y como músico de cámara. Maestra en Violín de la Universidad del Cauca y Magíster en Interpretación y Pedagogía del Violín de la Hochschule für Musik Mainz. Ha sido integrante de agrupaciones como la Orquesta Filarmónica de Cali, Frankfurter Sinfoniker, Kolleg für Alte Musik Mainz, Mannheimer Ensemble, Young Orchestra of the Americas, World Orchestra (Corea del Sur), Quinteto Calima, y ha participado en diversos festivales ofreciendo recitales en Colombia, Alemania, Portugal y España.
Dentro de sus maestros se encuentran Dmitry Petoukhov y Karin Lorenz. En 2015 y 2017 participó como profesora becaria en las clases magistrales del Festival Internacional de Música de Cartagena.
En 2023 realizó la grabación discográfica de las obras para violín y piano de Luis Carlos Figueroa y Mario Gómez- Vignes junto al pianista Juan Camilo Rojas.
Entre 2014 y 2017 fue docente de violín y directora de la Orquesta de Cuerdas de la Universidad Sergio Arboleda (Bogotá) y desde 2014 está vinculada a la Universidad del Valle (Cali).
Actualmente finaliza su Doctorado en Música en la Universidade de Aveiro bajo la orientación del pianista y musicólogo Dr. Luca Chiantore.
Combina su actividad pedagógica e interpretativa con la investigación musical.
Jean-Marie Leclair (1697-1764)
Sonata per a dos violins en sol major, op. 3 n.º 1
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Allegro
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Allegro ma poco
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Allegro
Sergei Prokofiev (1891-1953)
Sonata per a dos violins en do major, op. 36
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Andante cantabile
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Allegro
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Commodo (quasi allegretto)
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Allegro con brio
Henryk Wieniawski (1835-1880)
Étude-Caprice per a dos violins op. 18 n.º 4
Camilo Bedoya
El pereirano (arranjament per a dos violins: Juan Carlos Muñoz)
Dmitri Shostakovich (1906-1975)
Cinc peces per a dos violins i piano (arranjament: Lev Atovmyan)
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Prelude
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Gavotte
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Elegy
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Waltz
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Polka
José White (1835-1918)
La bella cubana per a dos violins i piano
Jean-Marie Leclair és conegut actualment com el pare de l'escola francesa de violí, malgrat les desavinences que en la seva època va haver-hi a França amb l'escola violinística italiana que va prendre com a model. El violinista nascut a Lió va saber fusionar amb mestratge l'elegància de l'estil francès amb l'expressivitat i virtuosisme italians. La seva Sonata en sol major, op. 3 núm. 1 (1730) pertany a una col·lecció dedicada exclusivament a duos de violí sense acompanyament, obra en la qual crea un diàleg refinat i equilibrat entre tots dos instruments, amb passatges imitatius, seccions líriques, contrastos rítmics i una clara cerca de simetria.
Dos segles més tard Serguei Prokófiev compon la seva Sonata per a dos violins en do major, op. 36 (1932) on explora un ampli ventall de textures i colors, i demostra el seu mestratge en el contrapunt. Des del lirisme serè del primer moviment fins a l'energia rítmica i la lluentor del final, la sonata desplega contrastos marcats i un llenguatge harmònic distintiu, en el qual conviuen la claredat clàssica amb el caràcter modern. Aquesta peça ofereix als intèrprets un desafiament artístic i tècnic, i al públic, una experiència musical intensa i evolvent.
El virtuós violinista i compositor polonès Henryk Wieniawski va deixar un llegat fonamental en el repertori per a violí combinant el virtuosisme romàntic amb una expressivitat intensa. El seu Étude-Caprice op. 18 núm. 4 (ca. 1863) forma part d'una sèrie de vuit estudis escrits per a ser interpretats per a dos violins, la qual cosa permet a l'executant desenvolupar la tècnica en un context de col·laboració musical. Aquest Étude-Caprice en particular destaca per la seva brillantor i vivacitat rítmica, elements que també es poden escoltar en El pereirano (ca. 1940) de Camilo Bedoya, un passadís fester ple de color i vitalitat que es mou amb la lleugeresa i l'entusiasme d'una celebració popular típica de la regió andina colombiana. Aquest aire colombià té les seves arrels en el vals europeu del segle XIX, conservant la seva mètrica, però augmentant la seva velocitat, sent més àgil i vivaç que el seu antecessor.
Les Cinc peces per a dos violins i piano (ca. 1970) no conformen una obra original escita des de zero per Dmitri Shostakóvitx, sinó que són adaptacions realitzades per Lev Atovmyan (1901-1973), alumne i amic de Shostakóvitx, a partir de diferents composicions del mestre, principalment de música incidental i cinematogràfica, que s'allunya de l'estil de les seves simfonies i quartets. Cadascun dels moviments ofereix un caràcter distint: el “Prelude” obre amb serenitat i lirisme, la “Gavotte”, d'esperit neoclàssic, aporta gràcia i lleugeresa, la “Elegy” desplega una profunda melancolia, el “Waltz” evoca el món teatral del compositor i la “Polka” tanca amb un to burlesc i desenfadat.
Aquesta vetllada musical finalitza amb una obra del violinista, compositor i pedagog cubà José White, qui, admirat pel seu virtuosisme i sensibilitat musical, va guanyar el Primer prix de violí en el Conservatori de París en 1856, competint amb músics europeus de renom. Com a compositor, va combinar influències de la música clàssica europea i de la seva Cuba natal. La bella cubana (1853), una de les seves obres més conegudes, és una havanera elegant i nostàlgica que barreja elements europeus amb el sabor melòdic i rítmic del Carib.
Dissabte 17 de Maig
Museu Cerdà
Puigcerdà
16:30h
David Rodríguez Iborra (ESMUC)
Análisis para la praxis escenográfica del Fandango Variado Op.16 de Dionisio Aguado
David Rodríguez Iborra nace en Roquetas de Mar (Almería) en el año 1998, comienza sus estudios de guitarra clásica en esta misma localidad a la edad de 9 años, continua su formación musical en el Conservatorio Profesional de Música de Almería para, posteriormente, cursar la carrera de interpretación de guitarra clásica en el conservatorio superior de Música de Sevilla “Manuel Castillo”. Tras finalizar el grado compagina un máster de “Investigación y Educación Estética: Artes, Música y Diseño” de la Universidad de Jaén, coordinado por la doctora María Isabel Moreno Montoro, con otro máster de interpretación musical en la Escuela Superior de Música de Cataluña. Como artista interdisciplinar es autor y coautor de diversas performances y acciones de artivismo. En su faceta de investigador ha participado como ponente con su obra “Yo seré de cristal, pero tú de mierda: ensayo narrativo como crítica a la formación musical” en la 36º edición del Congreso Internacional APECV (Portugal, 2024), en la III edición del Congreso Internacional Civartes (Jaén, 2025) y en el “Octavo Simposio Internacional Interdisciplinario: Académicos en Contexto 2024” de la Universidad Autónoma del Estado de México (2024).
Esta investigación surge a raíz de una pregunta personal acerca de si ¿El Fandango Variado Op.16 de Dionisio Aguado comprende las características y patrones necesarios para la praxis escenográfica? Y en el caso de que comprendiese las características y patrones necesarios para la citada praxis y pudiese trabajar con un cuerpo de baile ¿qué consecuencias tendría para mi interpretación musical? Tomando como referencia a las investigadoras Aurelia Pessarrodona Pérez y María José Ruiz Mayordomo, las cuales en su artículo “El Gesto Coréutico en la Música Hispánica de la Segunda Mitad del Siglo XVIII: una Propuesta de Interpretación Históricamente Informada del Fandango” encuentran un repertorio musical al que se le puede asociar el baile de Fandango del siglo XVIII, cuya música se había perdido. En mi caso busco hacer una propuesta a la inversa, ya que quiero encontrar una coreografía que pueda encajar con la obra de Dionisio Aguado.
Fandango Variado Op.16 de Dionisio Aguado
Dissabte 17 de Maig
Museu Cerdà
Puigcerdà
17h
Julija Bagdonavičiūtė (Lithuanian Academy of Music and Theatre)
Rethinking Instrumental Ethics. Changing Materialities in Contemporaneity
Julija Bagdonavičiūtė is a pianist and researcher from Lithuania. She has performed in Lithuania, Italy, France, Germany, Hungary, Finland, Sweden, Portugal and Croatia. Since 2018 she has been a member of Meta Piano Trio, with whom she has performed in Estonia, Portugal, Austria and Germany. Julija actively curates and initiates new contemporary music and interdisciplinary projects, collaborates on theatre productions. She gained her Bachelor’s and Master’s degrees in Vilnius (Lithuania), Weimar and Hannover (Germany). During 2025, in cooperation with the Lithuanian Music Information Centre, the pianist will release her debut album dedicated to the works of Lithuanian composers. Currently Julija is pursuing her Doctor of Arts degree at the Lithuanian Academy of Music and Theatre, where she conducts artistic research on the topic “Rethinking Virtuosity in Contemporaneity”. As a researcher she works in the Excellence Cluster Improvisation and Creativity in the Performing Arts (Performing Arts Research Centre, Lithuanian Academy of Music and Theatre), and has also gave presentations at international conferences in Vilnius, Valletta, Tallinn. In 2025, Bagdonavičiūtė was awarded a scholarship by the Research Council of Lithuania for her academic results.
Since the second half of the 20th century piano has been involded in controversial artistic contexts: examples of such include Fluxus movement experiments like Jurgis Mačiūnas' hammering nails into pianos, Annea Lockwood’s and Yōsuke Yamashita's performances with burning instruments, or A Sanctuary for Ruined Pianos in Australia, where abandoned pianos are placed. The expanded use of piano in contemporary art practices raises questions about the ethics of musical instruments: within the context of the overproduction, what are the boundaries of appropriate behavior with the material object? According to Jane Bennett, matter is not defined as passive or mechanical, but as vibrating and vital, able to create, to be active. Could it be that it is the instrument, or, as articulated by Samuel J. Wilson, musical body that defines the limits of performer’s artistic expression? In search of an answer to this question, the auto-ethnographic reflection on personal creative processes (live concert and sound sculpture/installation CONCERTO AND INSTALLATION FOR PIANO AND A PIECE OF FURNITURE, contemporary circus and music performance COMPOST) becomes a valuable material for analyzing the artist's relationship within the context of changing materialities. Both works are based on the inclusion of discarded pianos that are not suitable for "conventional" music-making, meanwhile COMPOST was created in close collaboration with one of the largest sorting and recycling plants Getlini EKO (Riga, Latvia). Drawing on Bernard Stiegler's concept of General Organology, this presentation will explore how the material condition of the instrument can serve as a fundamental premise that influences the diversity of approaches to contemporary art and fosters the search for new focal points within artistic practice. Simultaneously, it opens up a space for dialogue with the broader community.
The interdisciplinary project CONCERTO AND INSTALLATION FOR PIANO AND A PIECE OF FURNITURE features a collage of piano music repertoire composed in different periods and including works by such composers as F. Chopin, J. Brahms, L. van Beethoven, J. Cage, B. Bartok, A. Part, L. Janáček, G. Crumb, O. Messiaen. This collage was created by the Lithuanian composer Andrius Šiurys specifically for this creative project. The contemporary circus and music performance "COMPOST" features a composition by contemporary Lithuanian composer, sound artist and performer Jura Elena Šedytė, which was composed and developed on three differently prepared and amplified pianos.
Dissabte 17 de Maig
Museu Cerdà
Puigcerdà
17:30h
Rubén Bañuelos
Music and Research (FHNW - Basel, Switzerland)
Disembodiment as a performative spectrum
Rubén Bañuelos (*1997, Tijuana, MX) is a percussionist and a researcher. As a current researcher of the Music and Research program at the FHNW Basel, he engages with the performance and non-performance of acoustics by building instrument/installation hybrids based on his instrument cluster CLSTR0. Collaborative endeavors have included Steven Schick, Nicolas Altstaedt, Rebecca Saunders, Orquestra Sinfónica de Barcelona, Marie Delprat, Luis Fernando Amaya, Tinguely Museum, Fritz Hauser, Fondation Beyeler, Dirk Rothburst, Christian Dierstein, Katherine Newton, among others. Rubén obtained Master’s Degrees in Percussion Performance at the Musik-Akademie Basel with Profr. Christian Dierstein, and at ESMUC (Barcelona) with Profr. Miquel Bernat, as well as a B.M. at The Boston Conservatory.
Esta presentación consistirá en un reporte íntegro sobre Disembodiment as a performative spectrum, mi proyecto de investigación artística en curso el cual sucede en el marco del programa Music and Research en la Musik-Akademie Basel. ¿Cuál es el resultado estético y técnico de descentralizar al ejecutante como agente principal de un instrumento sonoro? ¿De qué maneras se puede automatizar y programar usando objetos acústicos en lugar de computación? ¿Cómo se puede diseñar un instrumento acústico capaz de capturar y manipular el contenido inaudible de lo subsónico? El objeto artístico central de esta investigación es CLSTR0, un fenómeno acústico encontrado por azar y circunscrito por mí. Dicho fenómeno consiste en capturar la resonancia infrasónica del Nicophone sobre una membrana tensa, y al poner objetos de metal sobre ésta, crear efectos semiautónomos de distorsión acústica (ver video adjunto). Haciendo audible lo inaudible, esta investigación explora la maleabilidad de lo subsónico como materia musical. El concepto de disembodiment (desincorporación) es empleado en un sentido práctico: a través de rigurosos experimentos, el fenómeno de CLSTR0 es explorado y transferido de su “cuerpo original” (i.e.: instrumentos convencionales de percusión, un nicophone y un ejecutante) a nuevas incorporaciones (e.g.: instalaciones sonoras, visuales, o configuraciones sin la necesidad de un ejecutante). Esta desincorporación del sonido de un instrumento ejecutable, a un híbrido instrumento-instalación, a una instalación completamente automática desincorpora no solamente el sonido sino también la performatividad en sí; el ejecutante no es esencial ni central para la función del instrumento, la música puede ocasionalmente prescindir de él y continuar. Otro concepto crucial de este proyecto es el de tecnologías protésicas: herramientas tecnológicas que, como ramas del germen acústico de CLSTR0, extienden su alcance físico y artístico. Los patches que he programado en TouchDesigner actúan como herramientas para recabar datos, así como visualizaciones artísticas del movimiento autónomo de los objetos acústicos (ejemplo de la versión beta también incluido en el video adjunto). Otra prótesis tecnológica es la inteligencia artificial que controla la reactividad e interactividad de la audiencia con estos sistemas, concepto que continuaré a desarrollar junto a otros creadores en el marco de AI + Creativity del Sónar+D este junio en Barcelona. Esta presentación será sustentada a través del habla y de las grabaciones de los experimentos, obras, programas computacionales que conforman esta investigación, y además contará con la primera vista pública del prototipo de CLSTR1, el instrumento diseñado a la par con Domenico Melchiore (fundador de Lunason y creador del Nicophone) como extensión instalativa y automática de las ideas de este proyecto. Si el formato de la conferencia lo permite, es mi intención que la audiencia tenga la oportunidad de manipular este instrumento por sí misma.
Dissabte 17 de Maig
Museu Cerdà
Puigcerdà
19h
Presentació Úrsula San Cristobal (Taller de Músics/ESMUC) i Rubén López-Cano (ESMUC)
¿Quién soy como artista? Poniendo en práctica la investigación artística formativa en música (2024)
Úrsula San Cristóbal (1987) és una artista interdisciplinària i investigadora radicada a Barcelona. El seu treball artístic se centra en el cos, el so i el vídeo, abordant problemàtiques diverses com el gènere, la salut mental, l'erotisme, els afectes i la imaginació fantàstica vinculada a l'inquietant i a l’estrany. És Doctora en Història de l'Art i Musicologia per la Universitat Autònoma de Barcelona amb una tesi sobre el rol del so en obres de vídeo art i performance art de Marina Abramović i Shirin Neshat, recerca per la qual va rebre el premi extraordinari de doctorat en 2020. És Màster en música hispana per la Universitat de Valladolid, Màster en musicologia i patrimoni cultural per la Università degli studi di Milà, i Intèrpret superior de Flauta dolça per l'Institut di Musica Antica de la Scuola Civica Milà.
Ha estat artista convidada a la Muestra internacional de videonarración a/r/t/ográfica de la Universitat de Granada i al Festival d'art digitals Videoformes (Clermont-Ferrand, França). Ha estat artista en residència a Fabra i Coats (Barcelona) i a Nau Estruch (Sabadell). Les seves peces audiovisuals han estat seleccionades en diversos festivals a nivell internacional.
És co-autora junt amb Rubén López Cano del llibre: Problemas, métodos, paradigmas, experiencias y modelos.Actualment és docent d'assignatures humanístiques al Taller de Músics Escola Superior d'Estudis Musicals, i d'Història de la música en l'audiovisual a l'Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC).
Rubén López Cano, professor i investigador
Investigat sobre la música i la nostra relació amb allò musical, Rubén López Cano s'ha especialitzat en retòrica i semiòtica musicals, filosofia de la cognició corporitzada de la música, música popular urbana, reciclatge musical des de l'edat mitjana fins a l'era mashup, memes i cultura musical digital, musicologia audiovisual, diàspora, cos i subjectivitat musicals, recerca artística i epistemologia de la recerca musical.
És autor d'un centenar d'articles acadèmics i dels llibres Música plurifocal (Mèxic: JGH, 1997), Música i Retòrica en el Barroco (Barcelona: Amalgama, 2012), Cómo hacer una comunicación, ponència o paper y no morir en el intento(Barcelona: SIbE, 2012), Investigación artística en música problemes, experiències y propuestas (En coautoria amb Úrsula San Cristóbal) (Barcelona: Fonca-Esmuc, 2014), Música dispersa. Apropiación, influencias, robos y remix en la era de la escucha digital (Barcelona: Musikeon books, 2018) i La música cuenta. Retórica, narratividad, dramatúrgia, cuerpo y afectos (Barcelona: Fonca-Esmuc, 2020).
És editor del treball col·lectiu Cognición Musical Corporeizada (Epistemus 2, 2013) i coeditor de Música, ciudades, redes: creación musical e interacción social (Salamanca: Fundación Caja Duero, 2008); Semiótica Musical (Tópicos del Seminario 19, 2008) i Música popular y juicios de valor: una reflexión desde América Latina (Caracas: CELARG, 2011).
Va dirigir la revista TRANS- Revista Transcultural de Música (2005-2013) i codirigeix la col·lecció Instrumentos para la investigación musical, totes dues publicacions de la SIbE-Sociedad de etnomusicología.
Pertany als consells assessoris de les revistes Boletín Música (Casa de les Amèriques, Cuba), ESCENA, Revista de las artes (Costa Rica); Contracampo (Brasil); Música Popular em Revista (Brasil); LIS-Letra,imagen, sonido/Ciudad mediatizada (Argentina); Revista_ARTilugio (Argentina); Epistemus (Argentina); Co/herencia (Colòmbia); 4'33'' (Argentina); Arte, Cultura y Sociedad (Costa Rica); Resonancias (Xile); Vox Popular (Itàlia), Actos (Xile) i TRANS- Revista Transcultural de Música (Espanya).
Des de 2003 és professor a jornada completa a la Escola Superior de Música de Catalunya.
Col·labora regularment com a docent, conferenciant, investigador i assessor, per a diferents institucions i projectes d'Europa i Amèrica Llatina.
Des de 2021 col·labora amb Sonus Litterarum: El sonido de las letras/ Las letras el sonido on experimenta amb registres atípics de pensament sobre el musical.
¿De qué maneras se puede articular la relación entre el texto escrito y la propuesta artística en el marco de una tesis? ¿Qué referentes existen en ámbito académico?, ¿Qué lugar ocupa la reflexión crítica sobre las propias decisiones interpretativas en el cuerpo del trabajo? ¿Qué estrategias se están llevando a cabo para documentar y analizar los procesos creativos? A partir de estas y otras preguntas recurrentes en el ámbito de la investigación artística en música, se realizará un breve recorrido por los principales contenidos abordados en la publicación ¿Quién soy como artista? Poniendo en práctica la investigación artística formativa en música (2024)
Diumenge 18 de Maig
Sala Sant Domènec
La Seu d'Urgell
10h
Francisco Martí Hernández (Conservatorium van Amsterdam i ESMUC)
Creació per a piano i sintetizador modular
Francisco Martí exerceix actualment com a pianista repertorista al Koninklijk Conservatorium Brussel (Conservatori Superior de Música de Brussel·les, Bèlgica) combinant aquesta activitat amb projectes de música de cambra i ensemble per tot Europa. Diplomat en Màster d'Electrònica en Viu, actualment estudia un segon Màster en interpretació a l'ESMUC i un grau en música electrònica al Conservatorium van Amsterdam.
La presentació tractarà sobre el procés creatiu sorgit de la combinació entre el piano acústic i el sintetitzador modular. Aquest treball neix de la voluntat d’explorar nous llenguatges sonors a partir de la interacció entre un instrument tradicional com el piano i les possibilitats infinites que ofereix la síntesi modular. A través d’aquesta combinació, sorgeixen noves maneres d’entendre la interpretació, la improvisació i la composició, tot desdibuixant les fronteres entre el món acústic i l’electrònic. Al llarg de la sessió, explicaré les diverses etapes del procés de creació, detallant quins elements cal tenir en compte a l’hora de treballar amb un sintetitzador modular, des de l’elecció dels mòduls fins a la configuració dels patches. També abordaré els reptes tècnics i artístics que implica el processament del so acústic en temps real, com ara la captació del so, la latència o el control de la dinàmica i la textura sonora. A més, reflexionaré sobre l’impacte que té aquesta interacció en l’expressivitat musical i en la manera d’entendre el rol del músic dins d’un context híbrid. Finalment, presentaré l’estat actual de la meva recerca i oferiré un exemple sonor que permeti il·lustrar les idees exposades.
Diumenge 18 de Maig
Sala Sant Domènec
La Seu d'Urgell
11h
M. Teresa Garrigosa (Conservatori de Música de Vila-seca) i Ester Vela López (Conservatori Municipal de Música de Barcelona)
Cançons catalanes de Lluïsa Casagemas (1873-1942)
Maria Teresa Garrigosa-Massana Nascuda a Barcelona, estudia cant al Conservatori Superior Municipal de Música amb Míriam Franchieri, Enriqueta Tarrés, i repertori amb Manuel García de Morante, on obté el premi extraordinari del Grau Superior. Ha estrenat obres de Josep Crivillé; Josep Lluís Guzman; Ramon Humet, Salvador Brotons i Mercè Torrents. Ha enregistrat per a Auvidis, La mà de Guido i Columna Música. L’any 2013 rep el vuitè Guardó Felip Pedrell. Doctora en musicologia per la UAB amb la tesi: Les compositores catalanes del segle XIX: un impuls creador (2020), és professora de cant al Conservatori Professional de Música de Vila-seca.
Ester Vela López Pianista i compositora, interessada per la pedagogia i la innovació i per la música contemporània - col·labora sovint amb compositors i compositores vius. Des de 1993 forma part del Duo Vela. Investiga sobre les compositores oblidades, recuperant patrimoni històric: Edita l’obra de Narcisa Freixas (Ed. Boileau, 11 vol. de partitures i un CD) i l’obra pianística (Ficta Ed.) i per banda (Ed.Clivis) de Lluïsa Casagemas. En els darrers anys presenta les seves investigacions sobre les compositores en concerts i conferències, a Barcelona, Tortosa, Madrid, Sallagouse, Roma, l'Havana, Guimarães (Portugal), Ede (Holanda), Israel, o New Jersey...
Presentem la nostra investigació sobre Lluïsa Casagemas i Coll (1873-1942) que fou una compositora molt reconeguda en la seva època. Nena prodigi, va ser primera dona que va compondre una òpera al nostre país quan tenia 17 anys. Amb 20 anys estrena Crepuscle, fantasia per orquestra simfònica. El seu catàleg compositiu compta amb més de tres-centes obres, en coneixem el nom de cent-trenta-nou, de les que només se n’han localitzat vuitanta-quatre. Una gran part del material encara s’ha de recuperar, però les composicions que s’han conservat ens ofereixen una aproximació molt real de la gran importància artística de la compositora, que cultivà tot tipus de gèneres, però excel·lí sobretot amb les obres per a veu i piano. Mostrarem una selecció de cançons catalanes, del les quals un primer bloc es van editar a la revista Feminal entre els anys 1907 i 1911 i un segon amb obres manuscrites que s’han recuperat en diferents arxius.
Lluïsa Casagemas (1873-1942) - Cançons catalanes
Cançons catalanes de Feminal (1907-1911)
Esbarjos vals op. 231 (1908) Apel·les Mestres Missatge (1910) R. Puig y Duran Cançó de mar (1909) J.M. de Nadal i Ferrer
Íntima. Melodia per a piano
Cançons catalanes
Las dos flors op.186 (c.1898) Lluïsa Casagemas Esperança (1898) Lluïsa Casagemas
Perquè t’estimo tant (c. 1917?) Josep Carner
Llàgrimes, Cant elegíac op.113 per a piano
La complanta de la lluna (c. 1928) Apel·les Mestres Santa Nit. (1929) Apel·les Mestres Rierol (1930) Miguel A. Camino
Diumenge 18 de Maig
Sala Sant Domènec
La Seu d'Urgell
13h
Áurea Domínguez Moreno Musik Akademie Basel – Institut Klassik
Fachhochschule Nordwestscheweiz / Academia de Música de Basilea – Instituto Clásico Universidad de Ciencias Aplicadas del Noroeste de Suiza (FHNW)
Veus de cera: Explorant la tecnologia sonora de l'era acústica
Áurea Domínguez es investigadora e intérprete especializada en instrumentos históricos. Tras formarse en la Schola Cantorum Basiliensis (Basilea, Suiza), donde posteriormente trabajó como investigadora, se doctoró en musicología por la Universidad de Helsinki en 2014. Sus intereses incluyen las tecnologías históricas del sonido y los enfoques innovadores de la organología en los instrumentos de viento, como el uso de tomografías computarizadas y la impresión 3D como herramientas de investigación. Su monografía sobre la interpretación del fagot en el siglo XIX, Bassoon Playing in Perspective (2013), se ha convertido en una referencia importante en este campo, al igual que su trabajo sobre el fagottino y las primeras grabaciones de música de viento. Actualmente, Áurea trabaja como investigadora principal en el proyecto financiado por la SNSF «Voices in Wax: Recording the Acoustic Era» en la Hochschule für Musik Basel (Fachhochschule Nordwestschweiz). Este proyecto explora los primeros desarrollos de la música grabada comercialmente y la tecnología de grabación fonográfica (ca. 1885-1915) desde una perspectiva técnica e histórica, para lo que utiliza experimentos prácticos que sirven para contextualizar las fuentes históricas de grabación.
Veus de cera és un projecte que investiga els inicis de la gravació musical comercial i tecnològica des d'un enfocament tècnic, combinant recerca històrica i experimentació empírica amb equips originals. L'arribada de la gravació musical va canviar per sempre la manera en què la música era consumida i interpretada, oferint a compositors i intèrprets una nova manera de projectar-se en la història. No obstant això, el període inicial de desenvolupament de la indústria de la gravació requereix un estudi històric específic per a establir una correcta contextualització de les gravacions d'aquesta època.
En aquesta presentació s'argumentarà la importància de comprendre com es produïen originalment les gravacions per a entendre el seu impacte tant en la interpretació com en el desenvolupament dels estils musicals de l'època. S'abordarà com l'anàlisi de les màquines reproductores és clau quan es treballa amb gravacions històriques, i s'oferiran consells pràctics per a aproximar-se a l'estudi dels suports sonors anteriors a 1950, des d'una perspectiva tècnica i crítica.
Aquest enfocament obre noves perspectives per a la musicologia, els estudis sonors i la interpretació històrica, proporcionant una comprensió més profunda de la relació entre intèrpret, màquina i tecnologia en les primeres dècades del segle XX. Així mateix també explora diferents maneres per a poder treballar amb aquest material històric en diversos projectes d'interpretació artística.
Diumenge 18 de Maig
Auditori dels Porxos de Cal Fanxico
BOlvir
16:30h
Diana Marcela Rodríguez Vivas (Universidad del Valle/Universidade de Aveiro/Inet-md)
Las escuelas francobelga y rusa como referencia para la interpretación de repertorio latinoamericano para violín y piano: una investigación artística a través de las obras de Luis Carlos Figueroa y Mario Gómez-Vignes
Violinista colombiana con amplia trayectoria orquestal, pedagógica y como músico de cámara. Maestra en Violín de la Universidad del Cauca y Magíster en Interpretación y Pedagogía del Violín de la Hochschule für Musik Mainz. Ha sido integrante de agrupaciones como la Orquesta Filarmónica de Cali, Frankfurter Sinfoniker, Kolleg für Alte Musik Mainz, Mannheimer Ensemble, Young Orchestra of the Americas, World Orchestra (Corea del Sur), Quinteto Calima, y ha participado en diversos festivales ofreciendo recitales en Colombia, Alemania, Portugal y España. Dentro de sus maestros se encuentran Dmitry Petoukhov y Karin Lorenz. En 2015 y 2017 participó como profesora becaria en las clases magistrales del Festival Internacional de Música de Cartagena. En 2023 realizó la grabación discográfica de las obras para violín y piano de Luis Carlos Figueroa y Mario Gómez- Vignes junto al pianista Juan Camilo Rojas. Entre 2014 y 2017 fue docente de violín y directora de la Orquesta de Cuerdas de la Universidad Sergio Arboleda (Bogotá), y desde 2014 está vinculada a la Universidad del Valle (Cali). Actualmente finaliza su Doctorado en Música en la Universidade de Aveiro bajo la orientación del pianista y musicólogo Dr. Luca Chiantore. Combina su actividad pedagógica e interpretativa con la investigación musical.
Las diferencias entre distintas “escuelas” han sido objeto de constantes debates en el marco de la interpretación violinística durante siglos. Estos debates siguen vivos hasta hoy y adquieren tonos específicos en el mundo musical latinoamericano, donde las escuelas identificadas como “rusa” y “francobelga”, cultural y geográficamente ajenas a ese continente, se han convertido en una parte esencial de los discursos sobre la identidad interpretativa y pedagógica. Mediante esta investigación artística se ha pretendido desde la práctica hacer un acercamiento a esta realidad en la que el pasado y el presente de esas dos escuelas se convierten en el eje de una propuesta interpretativa de la música para violín y piano de dos compositores cuyas extensas trayectorias han marcado la vida musical colombiana de este último siglo: Luis Carlos Figueroa y Mario Gómez-Vignes. A través de un acercamiento al contexto histórico y cultural en el que este repertorio ha surgido, su relación con las estéticas compositivas europeas y sus vínculos con la música tradicional latinoamericana, se propone una lectura crítica de los conceptos que suelen acompañar la pedagogía instrumental, empezando por el propio concepto de “escuela” y por las supuestas diferencias profundas que caracterizarían aún hoy esas formas “rusa” y “francobelga” de tocar, así como su relación con la enseñanza e interpretación del violín en Colombia. El proceso ha incluido una pesquisa bibliográfica, entrevistas, encuestas, análisis de grabaciones y un trabajo editorial que ha dado como resultado una edición interpretativa basada en el complejo legado que la tradición ha asociado a esas dos escuelas. Todo esto ha servido de base para mi propia experimentación interpretativa, donde la música de estos dos compositores latinoamericanos se vuelven un punto de encuentro con el pasado y el presente de esas escuelas europeas de referencia.
Fragmentos de las obras para violín y piano de Luis Carlos Figueroa y Mario Gómez-Vignes
Diumenge 18 de Maig
Auditori dels Porxos de Cal Fanxico
BOlvir
17h
Fernando Marín Corbí (Fundación Cultural Anima Cordae)
Despertando sonidos Antiguos Arias y canciones de los Siglos XVI y XVII CANTAR ALLA VIOLA: Nadine Balbeisi – Soprano y Fernando Marín – Vihuela de arco y Viola da gamba (lyra-viol)
Fernando Marín, prestigioso violagambista y cellista de Alicante (España), es doctor en musicología y especialista en instrumentos históricos de arco del Renacimiento y Barroco. Estudió en Oviedo, Praga, Colonia, Bruselas y Barcelona. Ha grabado 5 CDs a solo: “eVIOLution”, sobre los orígenes y evolución de la Viola da Gamba, “sCORDAtura”, sobre el uso de las cuerdas históricas de tripa y sus diferentes afinaciones, “The Art of the Vihuela de Arco”, “Magia Consoni et Dissoni” y “Cello’s inside”. Actualmente diseña y construye sus propios instrumentos históricos y produce y supervisa sus propias grabaciones discográficas. Junto con la soprano Nadine Balbeisi fundó el dúo Cantar alla Viola, dedicando más de 20 años a la investigación e interpretación de la música renacentista para recuperar esta exquisita práctica musical de cantar con una viola de arco. Ha publicado artículos sobre retórica musical, improvisación, cuerdas de tripa e interpretación en la música antigua en revistas de musicología. En 2017 ganó una beca Leonardo a Investigadores y Creadores Culturales de la Fundación BBVA con el proyecto: Recuperación de las vihuelas de arco renacentistas y su interpretación musical. Desde 2003 es profesor de Viola da Gamba en el Conservatorio Profesional de Música de Zaragoza.
Con gran curiosidad, encontramos en los Museos numerosas representaciones de instrumentos y escenas musicales de épocas antiguas que, sin embargo, nos dejan con la silenciosa incógnita de cual pudo ser el sonido de su mensaje. Gracias a una minuciosa investigación sobre la recuperación de las prácticas musicales de la época y mediante la fabricación propia de instrumentos históricos, así como el desarrollo de una especial y depurada técnica en el manejo del arco, el dúo Cantar alla Viola permite acercarnos a una época en la que, las cuerdas de las violas imitaban la dulzura de la voz humana y el canto se tejía con delicada maestría entre las voces de la polifonía. Consideramos que, recuperando estos instrumentos, su estéica, repertorio y, sobre todo, recreando su sonido, entendemos mejor el sentido de la música de la época y su valor como transmisioń cultural. A partir de la herencia de una practica denominada ‘Cantare alla Viola’ durante el Renacimiento, los músicos de la época desarrollaron un refinado arte de acompañar con la viola las canciones de más elevado nivel artístico y poético, que incluía el dominio de recursos que procedían de disciplinas como la Oratoria y la Retórica, convirtiendo esta práctica musical en un auténtico icono del humanismo artístico europeo. Hacia finales del siglo XVI la música vocal experimentó un cambio de la polifonía a la monodia acompañada, un nuevo estilo italiano que se extendió por toda Europa. Las canciones de este periodo tenían una relación significativa entre la música y el lenguaje. Los compositores se esforzaban en poner música a los poemas más hermosos de tal manera que no solo fueran comprensibles, sino también elegantes y enaltecidos por la música. Insignes compositores como Juan Blas de Castro adornaban con verdaderas filigranas musicales e imágenes sonoras los más apasionados sentimientos de amor.
CANTAR ALLA VIOLA Nadine Balbeisi – Soprano Fernando Marín – Vihuelas de arco y Viola da gamba (Lyra viol)
RENACIMIENTO
Vihuela de arco (Mod. Iberico, ca. 1500)
Amor tien il suo regno Luca Marenzio (ca. 1553-1599)
Dicemi la mia stella
Para quién crie yo cabellos Henestrosa/ Cabezon (1557)
Entre dos álamos verdes Juan Blas de Castro (1561-1631)
Del Cristal de Mançanares
RENACIMIENTO TARDÍO- BARROCO TEMPRANO
Viola da Gamba-Lyra viol (Mod. Franz Zacher, 1693)
Loves Farewell Tobias Hume (1569-1645)
My dearest mistress William Corkine
T’is true t’is Day The Second Booke of Ayres (1612)
Ich hab die Augen zwar geweidet Jakob Kremberg (1650-1715)
Musicalische Gemüths-Ergötzung, oder Arie (1689)
Entrata Johann Christoff Ziegler (1665-1736)
Intavolatura zur Viola da gamba (1680)
Gebet Rath getreue Sinnen Kremberg
Ricercare No. 7 Francesco da Milano (1497-1543)
Due luci ridenti Settimia Caccini (1591- ca. 1638)
Diumenge 18 de Maig
Auditori dels Porxos de Cal Fanxico
BOlvir
19h
Pablo Gómez Ábalos (ESMAR/Musikeon)
Interpretando los Quarttete de C.P.E. Bach bajo una estética del timbre
Pablo Gómez Ábalos
Fortepianista, clavicordista i musicòleg. Màster oficial en interpretació històrica (fortepiano), atorgat per la Universitat Autònoma de Barcelona/Esmuc i Doctor en música per la Universitat de la Rioja.
Col·laborador del Museu de la Música de Barcelona i guardonat en 2017 amb una de les prestigioses beques Leonardo de la Fundació BBVA pel projecte de recerca artística: Clavecin roïal: timbres i fantasia del Sublim.
Ha ofert concerts i conferències amb instruments històrics, tant còpies, com a originals de museus i col·leccions. És professor de piano, fortepiano i màsters a ESMAR i té diverses publicacions sobre el Claveci roïal, el fortepiano Zumpe, així com el gest en música.
Compuestos el último año de vida de Carl Philipp Emanuel Bach a petición de Sara Levy, los tres Quarttete für Clavier, Flöte und Bratsche (Wq 93-95) son obras impactantes, escritas en un estilo extravagante y expresivo, y compuestas para la inusual combinación de flauta, viola y teclado. La idea de estas obras como “cuartetos” surge de una categorización de género basada en el número de líneas contrapuntísticas individuales, más que en el número de instrumentos. El objeto de la investigación artística que aquí se presenta (y que culminará con la grabación de estas obras) es su inusual y colorista instrumentación que nos remite a la idea del Klangfarbe; el timbre instrumental como parámetro estructural tan importante como la modulación armónica. Esta investigación es llevada al extremo a través de la exploración tímbrica con instrumentos únicos y cercanos a C.P.E. Bach, si bien nunca utilizados en las grabaciones existentes. Para esta exploración, el teclado (“Clavier”) es un Clavecin roïal, instrumento multitímbrico que poseyó C.P.E. Bach y en el papel de viola no encontraremos el instrumento común, sino una Viola da gamba tenor cuyas sugerentes sonoridades dialogan a la perfección con la sutileza sonora del Traverso y los contrastantes timbres y resonancia del Clavecin roïal. En esta ponencia se expondrá la experimentación a través de la práctica musical, la toma de decisiones y la estructuración de las obras desde el análisis y exploración tímbrica, así como las fuentes que nos muestran la importancia y gusto por la variedad de timbres y sonoridades de C.P.E. Bach y su entorno cultural, llegando hasta finales del s. XVIII. Una manifiesta estética del timbre presente en diferentes formas en cualquiera de los productos musicales de este contexto.
Diumenge 18 de Maig
Auditori dels Porxos de Cal Fanxico
BOlvir
20h
Taula rodona de cloenda